sábado, 7 de enero de 2012

"TIERRA DE FARAONES". Pirámides, víboras y otras cosas

-Trabajando tantos hombres se terminará pronto la pirámide, ¿verdad, padre?
-No, Senta. Se necesitará mucho tiempo, trabajarán muchos años. Unos serán ya viejos, otros morirán... y las piedras de la pirámide estarán regadas de sangre y lágrimas.

"Tierra de faraones" Howard Hawks

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Keops es un faraón rico y bastante codicioso. A base de saquear los pueblos vecinos ha logrado acumular un gran tesoro y ahora le preocupa protegerlo de los saqueadores una vez haya muerto. Como es tradición, sus más valiosas joyas quedarán encerradas junto a su cuerpo en una gigantesca pirámide, pero todos los laberintos y trampas que se usaron con sus antepasados fueron burlados por ladrones y el faraón requiere ideas nuevas.
El único arquitecto capaz de diseñar un sistema que bloqueé todas las puertas de la pirámide es un esclavo recién capturado que accederá a trabajar para el faraón a condición de que éste libere a su pueblo una vez finalizada la obra.

De este modo seguiremos la construcción de la pirámide al tiempo que asistimos a las maquinaciones de la segunda esposa de Keops, que ansía el poder una vez haya muerto el faraón, sin olvidar las tribulaciones del arquitecto, que será encerrado en la pirámide para no desvelar el secreto de su diseño.

Ya lo hice hace tiempo cuando escribí sobre "Sansón y Dalila" y hoy os vuelvo a traer una aventura histórica de esas que se hacían en los cincuenta, menos conocida que las archifamosas "Ben-Hur", "Cleopatra" o "Los diez mandamientos".

Para empezar decir que en "Tierra de faraones" no hay ningún elemento religioso más allá de los dioses egipcios que son nombrados de vez en cuando. Lo que encontraremos aquí es una reproducción más o menos fiel del Antiguo Egipto, de la construcción de la pirámide y, para darle chicha a la historia, de las conspiraciones de Joan Collins, que le dará vida, no sólo al poster, sino a la película según avanza.

Porque seamos francos, el faraón y el arquitecto son personajes muy atractivos, pero excepto los jubilados, nadie aguantaría una película que consiste en ver a unos obreros amontonando piedras, y es ahí donde entra Collins.

Lo malo es que la abuela de Cara Delevingne nunca logró ser una de las grandes estrellas de Hollywood (sí de la televisión, cuando 25 años después apareció en "Dinastía", interpretando también a una víbora) y Jack Hawkins tampoco era el actor más comercial del mundo (obviemos lo mucho que chirría ver a ese señor inglés como un faraón egipcio), y la peli fue un fracaso.

Pero un fracaso de los gordos. Costó tres millones de dólares y apenas recaudó dos, suponiendo el primer batacazo del director, Howard Hawks, quien tardó años en volver a dirigir otra peli.

Y eso que la peli es entretenida, está muy escrita (fue el último guión en el que colaboró el Nobel de Literatura William Faulkner) y tiene el que para mí es sin duda uno de los finales más crueles al que se ha condenado al villano en la historia del cine. Pero claro, carece de las estrellas y la épica acostumbradas en este tipo de filmes y es comprensible que la gente no comprase en la época.

Todo un clásico con el que me despido de este blog.

Tras más de dos años colaborando con mis compañeras debo decir adiós para ocuparme de las tres niñas que me han venido de golpe y a las que pondré en su momento todas las pelis de las que he hablado por aquí (bueno, "Barbarella" sólo cuando se porten mal) y muchas de las que habéis hablado vosotras.

Por último agradeceros a todas el haberme dejado participar y escribir sobre esas pelis de las que no podía hablar en mi blog, dedicado a filmes posteriores al año 2000. Espero que os haya molado. A mí desde luego que sí.

Muchas gracias y feliz 2017 a todas.


Publicado en Zinéfilaz el 30 de diciembre de 2016

"LA BBELA Y LA BESTIA". El mejor Disney

Al pasar los años comenzó a impacientarse y perdió toda esperanza, pues, ¿quién iba a ser capaz de amar a una bestia?

"La bella y la bestia" Kirk Wise y Gary Trousdale 

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Un joven príncipe francés se niega a dar cobijo a una anciana por su repulsivo aspecto (sí, un francés grosero, qué novedad) con tan mala suerte que la anciana resulta ser una hechicera con bastante tiempo libre. Así, como castigo el príncipe es convertido en una terrorífica bestia y deberá conseguir un beso de amor antes de cumplir 21 años para deshacer la maldición o el hechizo durará para siempre.

Convencido de que nunca volverá a ser humano, el príncipe se encierra en su castillo, aislándose totalmente del mundo hasta que hace prisionera a una joven aldeana que se quedará en el castillo a cambio de que la bestia libere a su padre, que había sido hecho prisionero previamente (cuando eres un monstruo recluido en un castillo, sin tele, ni internet, lo único que te queda es ir apresando a la gente).

La cuestión es que terminarán enamorándose de tal manera que la bestia renuncia a su objetivo liberando a su amada para que regrese junto a su padre. Semejante sacrificio y muestra de amor serán recompensados por parte de la joven, atrayendo al castillo a una turba de pueblerinos sedientos de sangre.

Walt Disney quiso llevar "La bella y la bestia" al cine en sus inicios, de tal forma que hubiese sido uno de sus primeros largometrajes, pero por diversos motivos la idea fue aparcada en los años 30 y después otra vez en los 50. La cosa cambió cuando en 1989 se estrenó "La sirenita", convirtiéndose en un éxito mundial. Hay que tener en cuenta que la historia de Ariel era el primer cuento de princesas que la compañía llevaba al cine desde que hicieron "Cenicienta" en 1950 y no las tenían todas consigo. Sin embargo su gran acogida hizo que se decidieran a seguir por ese camino, sacando finalmente del cajón "La bella y la bestia".
Así, mandaron un equipo al Valle del Loira para observar los paisajes y se pusieron manos a la obra. 

Como suele ocurrir en los cuentos de hadas, el original es un poco cruento y tuvo que modificarse para adaptarlo a un público infantil. Para empezar en el relato el príncipe no es castigado por su soberbia, sino que la hechicera le maldice por negarse a casarse con ella, transformándole en una bestia incapaz de razonar. Y Bella no es hija única, sino que tiene tres hermanas que la atormentan constantemente. Esto se cambió porque recordaba demasiado a las hermanastras de Cenicienta, aunque la idea se mantuvo en forma de esas tres aldeanas rubias que se burlan de la protagonista.

También se eliminaron escenas. Se había pensado incluir una secuencia en la que Bestia arrastra un ciervo que había matado en el bosque y la reunión con el dueño del psiquiátrico no sería en la casa de Gaston, sino que éste visitaría el manicomio. Además en principio se pensó mostrar la transformación del príncipe en bestia (cosa que se vería en la pobre secuela). Como veis, situaciones demasiado sombrías.

Y es que la peli ya era bastante oscura. Para hacer a la bestia combinaron un montón de animales: la cabeza es una mezcla de búfalo y león con colmillos de jabalí y frente de gorila y el cuerpo es el de un oso con patas y cola de lobo. Además el castillo resulta bastante siniestro, siempre oscuro y repleto de gárgolas (que fueron diseños descartados de Bestia), así que lo arreglaron incluyendo una serie de alegres canciones, culminándolo todo en la escena del baile.

Por supuesto la película fue un éxito total. Fue la primera película de dibujos nominada al Oscar como mejor película (se lo llevó "El silencio de los corderos") y también la primera en ganar el Globo de oro a mejor comedia o musical. Como curiosidad decir que también es la primera peli Disney cuya princesa tiene el pelo castaño y también la primera que se dobló en España (hasta entonces las pelis de Disney nos llegaba dobladas por mexicanos).

Personalmente considero "La bella y la bestia" una de las mejores películas de Disney (anda ahí, ahí con "El rey león", "Aladdin" y "El libro de la selva" en mi ranking) y es sin duda la mejor de príncesas (y mira que me gusta "La bella durmiente" y "Blancanieves y los siente enanitos").

Y no sólo por la historia, el diseño de los personajes o las canciones, todo sobresaliente. Considero que "La bella y la bestia" nos trae la primera princesa Disney con verdadera personalidad. Vale, Ariel también tenía personalidad, pero era una adolescente enamorada... yo me refiero a alguien que caiga bien.

Bella no es una princesa de entrada, es una aldeana con interés por la lectura, dulce, pero con mucho carácter (magistral la escena en la que cura las heridas de Bestia). Por primera vez se veía una chica que no estaba obsesionada con el príncipe azul, ni le dejaba las tareas del hogar a la fauna autóctona y era imprescindible para el devenir de la historia, porque hacía falta alguien fuerte para lidiar con su situación.

En definitiva, una de las mejores películas románticas y de dibujos de todos los tiempos, divertida y visualmente sublime. Aunque no sea de tus favoritas, no te puede no gustar "La bella y la bestia".


Publicado en Zinéfilaz el 18 de noviembre de 2016

"CUANDO HARRY ENCONTRÓ A SALLY". La comedia romántica

-Es posible que tú seas la primera mujer atractiva con la que no quiera acostarme nunca.
-Eso es estupendo, Harry.

"Cuando Harry encontró a Sally" Rob Reiner

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 Dos universitarios, Sally Albright y Harry Burns, se conocen durante un viaje a Nueva York, quedando patente la total incompatibilidad entre ambos, ella dulce y positiva y él ácido y pesimista. Años después volverán a coincidir en un vuelo, constatando todavía más sus diferencias, sin embargo tiempo después se encontrarán por tercera vez, logrando finalmente entablar amistad.
Los dos han sido abandonados por sus parejas y juntos se convertirán en el paño de lágrimas del otro, encendiéndose poco a poco entre ellos la llama del amor.

Ya me perdonaréis la cursilería con la que he acabado el párrafo anterior, pero "Cuando Harry encontró a Sally" es para mí la madre de todas las comedias románticas, el súmmum del género. Diálogos ingeniosos y ágiles, protagonistas adorables, estupendos secundarios, actores en estado de gracia (Meg Ryan y Billy Crystal jamás estuvieron mejor y en cierto modo han estado el resto de su carrera repitiendo sus personajes aquí), escenarios fantásticos (Nueva York en otoño) y una banda sonora ideal, como escrita para la peli. Todo perfecto.

Y es normal que la cosa encajase. Nora Ephron, la guionista, se inspiró en sí misma para escribir a Sally Albright. Incluso la exigente manera de pedir la comida era propia de Ephron y la incluyeron en el guión cuando el director de la peli, Rob Reiner, comió junto a ella durante el rodaje. Él sería el contrapunto, pues Reiner es un tipo parecido a Harry y además estaba pasando por una separación mientras grababan la película.

Así, viéndose reflejados en la pareja protagonista, es fácil imaginar a Ephron y Reiner, discutir sobre el guión contagiando su complicidad a los personajes, dejando que los actores aportasen también su granito de arena. Sin ir más lejos, la frase que culmina la escena del orgasmo (y que dice la madre de Rob Reiner) fue idea de Billy Crystal, y la última secuencia con ellos hablando de su boda fue totalmente improvisada. 
Por cierto, todas las parejas que salen contando su historia no son actores, sino matrimonios reales que Reiner fue seleccionando para que hablase de cómo se conocieron.

Otra muestra más del mimo y buen rollo con el que se hizo la película. Quizá en lo que tuvieron más dudas fue el título. Nora Ephron dijo años después que era lo único con lo que no había quedado contenta. Antes de ponerle "Cuando Harry encontró a Sally" se barajaron "Tenías que ser tú", "Palabras de amor", "Cómo se conocieron" o "Harry, ésta es Sally".

Para mí es una de esas pocas películas redondas que hay, lo cual tiene más mérito aún dentro de este género. Romántica, pero divertida y muy inteligente, con una escena mítica en la historia del cine.
Personalmente, cada vez que me pongo una comedia de Woody Allen espero encontrar algo parecido a "Cuando Harry encontró a Sally", pero es difícil. Estas cosas no se pueden buscar. El buen rollo tiene que fluir solo.


Publicado en Zinéfilaz el 7 de octubre de 2016

"BLANCANIEVES Y LOS SIETE ENANITOS". Obra maestra para empezar

-Ahora, infernal poción, cumple tu misión.

"Blancanieves y los siete enanitos" David Hand

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Bueno, a estas alturas todos conocemos el cuento de Blancanieves. 
Una joven princesa debe huir de palacio para escapar de su madrastra, la reina, que pretende matarla porque es más guapa que ella. En el bosque le darán cobijo siete enanos que, pese a trabajar con diamantes, viven en una choza en medio de la nada. Todo va bien hasta que la reina descubre su paradero y convirtiéndose en una anciana engaña a Blancanieves para que muerda una manzana envenenada. Desde luego el método es limpio y original, pero el asesinato será un fracaso, pues la moza volverá a la vida tras besarla el príncipe de sus sueños.

A menudo se dice que "Blancanieves y los siete enanitos" fue el primer largometraje animado de la historia, y aunque no es cierto, sí fue el primero de Disney, por lo que los anteriores cayeron en el olvido. 
Corría el año 1934. Walt Disney llevaba 10 años haciendo cortos animados y era famoso por haber creado a Mickey Mouse, de modo que decidió dar el siguiente paso y rodar un largometraje. Después de todo en los cortos no podía desarrollar a los personajes como es debido y tampoco ganaba demasiado dinero con ellos (por eso mismo el gordo y el flaco o Chaplin empezaron a hacer largometrajes en aquella época).

Disney era un gran admirador de Lewis Carroll y su primera idea fue llevar al cine "Alicia en el país de las maravillas", pero se le adelantaron al estrenar en 1933 una versión del libro con Cary Grant y Gary Cooper de por medio.
De este modo, el proyecto quedó aparcado y Disney se decidió por Blancanieves, otra obra que le gustaba desde niño. 

Sólo hay que ver el detalle y la belleza de los dibujos para imaginar el tremendo trabajo que desempeñó todo el equipo para diseñar y animar a cada uno de los personajes. Pero lógicamente no fue sólo labor de los dibujantes. Había que narrar el cuento de forma coherente y entretenida, obviando las partes más escabrosas de la historia original (donde la reina moría tras ser torturada por los enanos), pero dándole un toque sombrío en los momentos precisos (a día de hoy la de "Blancanieves y los siete enanitos" sigue siendo la bruja más aterradora del cine).

Se cuidaron también de componer un buen número de canciones, alegres y románticas (suprimiendo algunas para reducir el metraje) y de darle personalidad a todos los enanos. Porque los hermanos Grimm nunca distinguieron a un enano de otro, siendo Disney quien les dotó de una identidad a cada uno, quedándose varias en el tintero. Así, los enanitos Sucio, Perverso o Habilidoso se quedaron fuera y Mocoso finalmente ocupó el lugar del enanito Valiente.

Disney temía que la película fuera un fracaso, pero quedó convencido del resultado cuando en el primer pase escuchó mujeres sollozando de felicidad (menos contentos estaban algunos niños que se mearon encima con la escena en la que Blancanieves se pierde en el bosque). 

A día de hoy poca gente incluye "Blancanieves y los siete enanitos" entre sus películas favoritas de dibujos, pero en mi opinión es una obra maestra en todos los sentidos y teniendo en cuenta el imperio que se forjó después es sin duda una de las pocas películas que a ciencia cierta cambiaron la historia del cine.

¿Os imagináis que "Blancanieves y los siete enanitos" hubiera sido un fracaso?. Disney se hubiera ido a pique y hoy la industria del cine (Marvel, etc...) sería completamente distinta. Sea como sea, sólo hay que ver la película para entender por qué esa realidad nunca existió.


Publicado en Zinéfilaz el 29 de julio de 2016

"UN PEZ LLAMADO WANDA". Grandioso humor inglés

-Wanda, no tienes ni la menor idea de lo que significa ser inglés. Siempre tan correcto, siempre tan reprimido, temiendo constantemente decir alguna inconveniencia, como por ejemplo "¿Estás casado?" y que te digan "Mi mujer me ha abandonado hoy". O bien, "¿Tienes hijos?" y te contesten "Murieron abrasados el viernes".

"Un pez llamado Wanda" Charles Crichton

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Cuatro ladrones llevan a cabo un rápido atraco a una joyería de Londres, sin embargo cada uno tiene sus propios planes para el botín y empiezan a traicionarse mutuamente, acabando el líder de la banda en prisión. Él es el único que conoce el paradero de las joyas, de modo que para intentar averiguarlo, Wanda (la chica de la banda) seducirá a su abogado, mientras lidia con los celos y la estupidez de Otto, otro de los ladrones.

"Un pez llamado Wanda" es sin duda una de las películas con las que más me he reído en toda mi vida. Y no fui la única. Famosa es la historia de Ole Bentzen, un danés que murió en el cine mientras veía la película por un ataque de risa durante la escena de las patatas fritas (secuencia que fue censurada cuando emitieron la peli en la televisión estadounidense).

Escrita por John Cleese, podría pensarse que la cinta estaría plagada de ese humor delirante tan peculiar de Monty Phyton, pero lo cierto es que el actor supo adaptarse perfectamente a la historia, escribiendo una comedia de enredo inteligente y muy divertida, criticando y parodiando la cultura y sociedad inglesas.

El reparto además está perfecto. Cleese representa a la perfección los tópicos del inglés acomodado, Kevin Kline se convierte en el alma de la película y Jamie Lee Curtis demostró por primera vez sus cualidades para la comedia. Sin olvidar a Michael Palin, quien da vida a uno de los tartamudos más famosos de la historia del cine. De hecho tiempo después de estrenarse la peli un grupo de tartamudos se enfrentó a Palin, molestos por su papel en la película y el actor fundó el centro para la tartamudez infantil en Londres. Hay que tener en cuenta que el padre de Palin también era tartamudo, y el actor se inspiró en él para interpretar al personaje.

Como veis "Un pez llamado Wanda" está plagada de anécdotas y rarezas. Por ejemplo, fue la película que más ha tardado en alcanzar el número uno en la taquilla de los EEUU desde su estreno, pues estuvo casi tres meses escalando puestos, hasta que el boca a boca de un público encantado la llevó a la cima.

Otra curiosidad es el Oscar que se llevó Kevin Kline sin haber estado siquiera nominado a otros premios como los Globos de oro o los BAFTA. Y para rematar el anecdotario decir que Archie Leach, nombre de Cleese en el filme, era el nombre real de Cary Grant, quien nació a pocos kilómetros del pueblo natal de Cleese. El actor dijo que había bautizado así al personaje porque era lo más cerca que iba a estar de ser Cary Grant.

En definitiva una de esas comedias que hay que ver, con una historia entretenida, personajes divertidos y momentos realmente memorables.


Publicado en Zinéfilaz el 17 de junio de 2016

"LOS SIETE MAGNÍFICOS". Western de aventuras

-Aunque tuviéramos armas, sabemos labrar y cuidar la tierra, pero no sabemos matar.
-Pues aprended. O morid.

"Los siete magníficos" John Sturges

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Los habitantes de una pequeña aldea mexicana asisten impotentes a los continuos saqueos que lleva a cabo en su pueblo una numerosa banda de ladrones. Para poner fin a esta situación contratarán a siete pistoleros a sueldo, que aceptarán una mísera recompensa por adiestrar a los campesinos en combate y luchar contra los bandidos.

En efecto, parece el argumento del típico western, pero en realidad es una versión de una peli de samurais dirigida por Akira Kurosawa, quien quedó tan entusiasmado al ver el filme de hoy que le regaló a su director una espada japonesa.

Este hombre fue John Sturges, que ya había rodado otras pelis del oeste como "Duelo de titanes" o "Fort Bravo". La cosa es que el director estaba acostumbrado a trabajar con estrellas como Kirk Douglas, Burt Lancaster o Frank Sinatra, pero en esta ocasión contó con un reparto casi desconocido.

En principio se contempló la idea de que los pistoleros fuesen más veteranos, barajándose el nombre de Spencer Tracy como protagonista, pero fue Yul Bryner quien puso en marcha el proyecto, y se reservó para sí el papel principal. Clark Gable, George Peppard, Stewart Ganger o Glenn Ford fueron considerados para formar parte del grupo, pero al final el casting se compuso por actores menos famosos en aquel entonces.

Porque Steve McQueen había rodado ya algunas películas, pero con papeles secundarios, y lo mismo podía decirse de Charles Bronson o James Coburn, cuyas carreras despegaron sin duda tras participar en "Los siete magníficos". El director los fue reclutando de forma similar a la que se ve en el filme, contando con la supervisión de Yul Bryner, quien se arrepentiría más tarde de haber contratado a Steve McQueen.

Y es que McQueen estaba obsesionado por centrar la atención en cada escena. Se quejaba continuamente del excesivo protagonismo que tenía el más joven del grupo (y con razón) y en cada escena que compartía con Bryner no paraba de hacer gestos y movimientos como quitarse y ponerse el sombrero con el fin de eclipsar al protagonista.

Esto creó mal ambiente durante el rodaje y el resto de los actores empezó a hacer lo mismo que McQueen, excepto Charles Bronson, que sólo se hablaba con James Coburn (aunque esto no tenía que ver con las movidas del rodaje, simplemente Bronson era así).
Además de lidiar con las niñerías del reparto, Sturges tuvo que adaptar el guión a la censura mexicana.

Y es que la peli se rodó en México y las autoridades exigieron revisar el guión para asegurarse de que no se degradaba en forma alguna al pueblo mexicano. Así, los campesinos viajan a la ciudad en busca de armas y no para contratar pistoleros (cosa de la que les convencería el personaje de Bryner), pues resultaba humillante que los mexicanos tuvieran que pedir ayuda a unos yankis. 
También exigieron que la ropa de los aldeanos estuviese siempre limpia, luciendo durante todo el filme más blanca que una patena, pese a estar trabajando la tierra.

Y todo para que la peli fuera un fracaso. En efecto, hoy en día "Los siete magníficos" es considerada uno de los mejores westerns de la historia y se hicieron tres secuelas, una serie de televisión y recientemente un remake con Denzel Washington como protagonista que se estrenará este año (que Dios nos pille confesados), pero en su día la peli no triunfó en la taquilla americana, salvándose por el enorme éxito que tuvo en Europa, y que motivó sus decepcionantes secuelas.

A parte de lanzar la carrera de sus protagonistas, "Los siete magníficos" cambió el género en cierto modo. Tras ella se rodaron otras pelis protagonizadas por una cuadrilla de pistoleros como "Los profesionales" o "Grupo salvaje" y fue también la semilla que dio pie a los spaghetti western, siempre protagonizados por tipos fuera de la ley, más violentos que las pelis del oeste que se filmaban hasta la fecha.

Seguramente no sea la mejor peli del oeste, pero sí una de las más entretenidas. Cuenta con una historia simple, mucha acción y un reparto ideal, después de todo (destacar a Eli Wallach como el líder de los bandidos, un primo cercano del Tuco que interpretaría poco después en "El bueno, el feo y el malo").

Ah, y la mejor banda sonora del género, sin lugar a dudas. Todas las que vinieron después fueron imitaciones e incluso Malrboro se hizo con sus derechos para aquellos anuncios de vaqueros que hacían antes.

Imprescindible para cualquier fan del western y cualquiera que quiera empezar a curiosear en el género.


Publicado en Zinéfilaz el 6 de mayo de 2016

"DOC HOLLYWOOD". Te queremos, Michael


-¿Sabe?, comprendo lo que pretenden hacer aquí y no pienso aguantar sus chorradas pueblerinas.

"Doc Hollywood" Michael Caton-Jones
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Un joven y prometedor doctor de ciudad decide abandonar urgencias y probar suerte como cirujano plástico en Beverly Hills. Para llegar a la entrevista deberá atravesar el país de punta a punta, pero durante el viaje sufre un accidente de tráfico en un pequeño pueblo del sur, condenándole el juez a trabajar 32 horas como médico de familia allí.
De este modo nuestro protagonista accederá a regañadientes, contando las horas para salir del pueblo, sin embargo con el paso de los días (y la aparición de un atractiva lugareña) se irá aclimatando, teniendo que elegir al final entre la tranquilidad y cercanía del pueblo o el impersonal lujo de la ciudad.

Sí, sé lo que parece, y las fechas cuadran. "Doc Hollywood" se estrenó un año después de que la serie "Doctor en Alaska" viera la luz y el argumento, el escenario y varios personajes son idénticos. Pero en realidad "Doc Hollywood" está basada en un libro de 1979, de modo que lo único de lo que se puede acusar a los responsables de la peli es de un oportunismo descarado. Teniendo esto en cuenta resulta curioso que no tuvieran reparos en acusar de plagio a Disney por "Cars", alegando que era una copia de "Doc Hollywood" hecha con coches, aunque ya imaginaréis por dónde se pasó Disney la acusación.

Corría el año 1991, Michael J. Fox acababa de concluir un año antes la saga de "Regreso al futuro" y a sus 30 tacos estaba buscando papeles que le alejasen finalmente de ese eterno adolescente que llevaba interpretando toda su vida. A todo el mundo le caía bien Michael J. Fox y pese a estar condenado a protagonizar comedias románticas nadie podía imaginar cuando se estrenó "Doc Hollywood" que sólo faltaban 5 años para que el actor se retirase por culpa del Parkinson, enfermedad que le diagnosticaron justo antes de comenzar a grabar la peli de hoy.

Amable, simpática y con algún momento divertido, "Doc Hollywood" es una de esas comedias que se rodaban entonces, ni muy graciosa, ni muy original, pero entretenida y con el encanto de su protagonista. El filme consigue además gracias a sus secundarios que el pueblo y sus gentes resulten entrañables, de tal manera que lo mejor del filme son sin duda las consultas que realiza tanto en el hospital como a domicilio, y los rifirrafes del protagonista con el juez o el viejo doctor. Chirría, eso sí, la chica de la película, que resulta demasiado basta e impertinente.

Por lo demás, una de esas pelis de mi infancia que nunca me canso de ver y con una de las mejores intros de la historia del cine, imprescindible cada vez que voy de viaje a alguna parte. Te queremos, Michael.



Publicado en Zinéfilaz el 25 de marzo de 2016

"ATRAPA A UN LADRÓN". Hitchcock in love



-Oiga, en este trabajo no se suelen hacer las cosas con honradez. No lo olvide.

"Atrapa a un ladrón" Alfred Hitchcock

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Un hábil y sigiloso ladrón está sembrando el pánico entre la alta sociedad y los millonarios turistas que pueblan la Riviera Francesa. El principal sospechoso es John Robie, un veterano ladrón que fue indultado tras luchar en la Segunda Guerra Mundial junto a la resistencia francesa y que vive retirado apaciblemente en una hermosa villa.

Con el fin de demostrar su inocencia Robie no tendrá más remedio que atrapar al ladrón él mismo, para lo que se pegará a una millonaria americana que ha llegado a Francia de vacaciones con su hija, esperando que ellas sean el próximo objetivo del delincuente. Pero no lo tendrá nada fácil, pues deberá llevar a cabo su plan huyendo de la policía, enfrentándose al verdadero ladrón y persuadiendo a la hija de la millonaria, que está totalmente convencida de que él es el culpable de los robos.

Quiero empezar diciendo que no he visto todas las películas de Alfred Hitchcock, pero sin duda prefiero aquellas más ligeras como "Crimen perfecto" o "La ventana indiscreta" a esas otras de corte más denso y sombrío como "Vértigo" o "Psicosis", pese a que algunas de las primeras sean consideradas "obras menores".

Ese es el caso de "Atrapa a un ladrón", aunque con el filme que os traigo se entiende el calificativo. Y es que la intriga es flojita y las persecuciones y escenas de acción resultan sosas, de manera que terminan primando los diálogos (obra de un guionista que escribía comedia para la radio) y la historia de amor, magistralmente levantada por Cary Grant y Grace Kelly.

No es nada habitual que en una peli de Hitchcock los actores estén por encima de la trama, pero aquí lo son todo y sería totalmente imposible imaginar "Atrapa a un ladrón" con otra pareja que no fuese Cary Grant y Grace Kelly. Y aunque no sea la película más recordada de ninguno, sí marcó un antes y un después en la vida de ambos.

Cary Grant tenía 51 años y estaba pensando retirarse del cine cuando Hitchcock le llamó para esta peli. Grant se llevaba bien con el director (algo milagroso, que sólo se entiende pensando que debía llevarse bien con todo el mundo) y aceptó, lo cual le animó a seguir haciendo pelis, participando años después en "Con la muerte en los talones", que a día de hoy es uno de sus filmes más recordados y que probablemente no hubiera filmado nunca sin haber hecho antes la de hoy.

La que se retiró tras "Atrapa a un ladrón" fue Grace Kelly. Sólo habían pasado tres años desde que se dio a conocer en "Solo ante el peligro", pero aquí ya era toda una estrella. "Atrapa a un ladrón" fue la tercera película seguida que grababa con Hitchcock y con 24 años y un Oscar recién ganado por "La angustia de vivir" parecía que su meteórica carrera no tendría techo.


Pero precisamente mientras rodaba "Atrapa a un ladrón" conoció al Príncipe Raniero, casándose con él pocos años después, retirándose del cine para desgracia de sus fans y del propio Hitchcock, que intentó sustituirla incansablemente con una retahíla de actrices rubias en todas sus películas, desde Kim Novak a Tippi Hedren, a quien contrató descaradamente por su parecido con Kelly.

Personalmente me gusta mucho "Atrapa a un ladrón" y siento que sería una peli mucho más recordada si tuviese alguna escena de acción memorable, como la de la avioneta de "Con la muerte en los talones".
La pena es que esa escena estaba en el guión. Cuando Cary Grant es perseguido por la policía en el mercado estaba pensado que hubiese un desfile en la calle, un carnaval, y el protagonista se escondiese en una carroza, dentro de la cabeza de una enorme figura de Neptuno. La carroza perdía el control y acababa estrellándose en alguna parte. Tenía buena pinta, pero la secuencia costaba 30.000 dólares y el director decidió prescindir de ella, quedando así la persecución por las peligrosas carreteras de Mónaco como la escena más trepidante del filme, dejando además la siniestra casualidad de que fue precisamente en esa carretera donde la pobre Grace perdió la vida 28 años después.

Así, quedan para el recuerdo el carisma (y el culazo, hay que decirlo) de Cary Grant, la belleza de Grace Kelly, las mordaces frases de Jessie Royce Landis y una intriga ligerita, con bastantes altibajos, pero con todo el encanto de sus protagonistas.



Publicado en Zinéfilaz el 12 de febrero de 2016

"TÚ A LONDRES Y YO A CALIFORNIA". Inocencia perdida


-Habéis estado alguna vez en Inglaterra?.
-No, pero tengo casi todos los discos de los Rolling Stones.
-Entonces es como si hubiérais nacido aquí.

"Rafi, un rey de peso" David S. Ward
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Dos idénticas niñas de 12 años coinciden en un campamento de verano y aunque en principio se caerán fatal, todo cambiará cuando, tras ser castigadas en una cabaña de aislamiento, conversan y descubren que en realidad son hermanas gemelas.
Y sí, parece imposible que tardasen días en darse cuenta, pero en defensa de las niñas, más increíble resulta pensar que unos padres (y un tribunal) accediesen a separar a dos hermanas para siempre ocultándole su existencia la una a la otra (en serio, ¿eso es legal?).

A partir de ese momento elaborarán un plan para conocer al progenitor que les ha faltado todos estos años, cambiando sus identidades al finalizar el campamento, pero las cosas se complicarán cuando el padre de las niñas decide casarse con una desalmada cazafortunas (bueno, desalmada es un poco fuerte para una peli Disney, digamos mejor malvada). Comenzarán entonces un plan para reunir a sus padres de nuevo y ser así una familia feliz.


Remake del "Tú a Boston y yo a California" de 1961, la peli de hoy cambió el escenario para trasladar parte de la acción a Londres y le descubrió al mundo a una pequeña y angelical Lindsay Lohan, que se impuso en el casting a decenas de niñas, entre ellas Mara Wilson y Scarlett Johansson. La directora buscaba a una especie de Diane Keaton en miniatura y se decantó por Lindsay, que ya había hecho sus pinitos en publicidad y había participado en algún programa y alguna serie.

Le preguntaron a la niña si se veía capaz de hablar con acento inglés y como acababa de ver "El jardín secreto" contestó que sí e inició aquí una fulgurante carrera que se vio truncada años después por sus problemas personales.

Los que seguís mi blog sabéis que soy fan de Lindsay Lohan, sin embargo, pese a que tenemos casi la misma edad, no me interesé por ella hasta que fui mayor, de modo que no disfruté la peli de hoy cuando era pequeña. No obstante "Tú a Londres y yo a California" es un clásico para las niñas que nacieron a mediados de los 80, las cuales crecieron pensando que realmente la peli estaba protagonizada por dos gemelas (no es un error tan extraño, cuando Jamie Lee Curtis rodó con Lindsay Lohan "Ponte en mi lugar" le preguntó cuál de las dos gemelas había interpretado en la película).

"Tú a Londres y yo a California" es bastante larga y difícilmente la pueda disfrutar un adulto que no la disfrutase cuando era niño, pero la peli está bien hecha, no se pasa de ñoña y tampoco engaña a nadie (y la trama tiene gancho, no se puede negar).

Queda también como un melancólico homenaje a la inocencia perdida de Lindsay Lohan y como la película más conocida de Natasha Richardson, actriz que interpretó a la madre de las niñas y que murió en un accidente de esquí en 2009, motivando que su viudo, Liam Neeson, acepte cualquier guión con tal de no quedarse en casa pensando en ella.


Amargo final para una entrada sobre una peli Disney, ¿verdad?. Bueno, en la vida real no siempre hay finales felices.

Por eso a veces hay que recurrir a estas pelis.


Publicado en Zinéfilaz el 20 de noviembre de 2015

"SANSÓN Y DALILA". Cecil y Dalila

-No hay hombre en el mundo que no comparta su secreto con alguna mujer.

"Sansón y Dalila" Cecil B. DeMille
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Siempre he tenido la sensación de que la película de hoy ha ido cayendo tristemente en el olvido en favor de otras cintas de la época como "Los diez mandamientos", "Quo Vadis" o "Ben Hur", filmes que le sonarán a cualquiera aunque sólo sea de oidas, por mucho que deteste el género. 
Y es comprensible. "Sansón y Dalila" carece de la épica de las pelis que nombraba antes, su historia es más pequeña y los protagonistas no son tan famosos como Charlton Heston y compañía. Aún así "Sansón y Dalila" fue una superproducción de la leche en su momento y durante mucho tiempo la película más taquillera de Paramount. Y eso que (como muchos éxitos de la historia del cine) estuvo a punto de no llevarse a cabo.

En su autobiografía Cecil B. Demille cuenta las dificultades que tuvo para llevar la historia al cine, empezando por la escritura del guión. Al parecer Sansón es mencionado con frecuencia en "El Libro de los Jueces", pero no había un nexo entre las hazañas del personaje y el director estuvo décadas dándole vueltas al asunto, incapaz de unir todas las historias de Sansón en una sola que pudiera rodar. 
Finalmente encontró la respuesta en una novela titulada "Juez e ingenuo" donde aparecía la hermana de Dalila, de quien se enamoraría Sansón originando los celos y el odio que sentiría Dalila por él, proporcionándole a Demille la pieza que faltaba en su puzzle, lo que daba coherencia a la conducta de Dalila y un sentido a toda la historia.



Pero no se acabarían aquí los problemas para el director pues, aún con las ideas claras no iba a resultar sencillo vender la peli a los productores. Cecil B. Demille era un director consagrado, pero corría 1949, la Segunda Guerra Mundial estaba aún reciente en la memoria de la sociedad y los ejecutivos de Paramount veían ridículo invertir una millonada en un cuento de catequesis. Demille, que intuía ese rechazo inicial, fue a la reunión con un dibujo en el que aparecía un musculoso guerrero observado con picardía por una sexy jovencita. Como imaginaréis salió del despacho con luz verde para empezar el rodaje.

Se pusieron en contacto con Lana Turner y Rita Hayworth pero tenían contrato con la Metro y Columbia y no las cedieron. Jean Simmons también fue candidata, pero al final Hedy Lamarr se hizo con el papel, dando vida a una Dalila perfecta, dulce y perversa al mismo tiempo. Aunque la historia gira en torno a Sansón es Dalila quien hace interesante el relato y Lamarr bordó el papel, apareciendo incluso en primer lugar en los carteles del filme. Quizá no sea la actriz más recordada de aquellos años, pero tuvo una vida de lo más interesante, casi como una novela de espías, y aquí dejó un filme que seguirá presente siempre que se mantenga la Semana Santa en televisión.

Burt Lancaster tenía una lesión de espalda así que Sansón fue interpretado por Victor Mature, consiguiendo así el papel por el que más se le recuerda. Mature no era muy buen actor, él mismo lo sabía, pero desde luego tenía un encanto rocoso, como una versión mazada de Dean Martin, y el tío medía casi un metro noventa, así que el personaje le quedaba como un guante.

El filme dejó varias anécdotas, por ejemplo, la famosa frase de Groucho Marx en la que aseguraba que no veía películas en las que el pecho del héroe fuese mayor que el de la heroína la pronunció precisamente en el estreno de "Sansón y Dalila" (lo cual cabreó bastante a Cecil B. Demille).
El director también se mosqueó cuando Victor Mature se negó a pelear en persona contra el león, pese a que le habían arrancado todos los dientes al pobre animal. Y además en la película se puede ver a una joven Angela Lansbury encarnando a la hermana de Dalila, con su melena dorada y esa cara pepona que ha debido tener desde que vino al mundo.

Pese a dejar momentos memorables, como la pelea contra el león, la lucha en el desfiladero y, sobre todo, la destrucción del templo, "Sansón y Dalila" no es una obra maestra, sin embargo su éxito sirvió de estímulo para que se llevarán a cabo las colosales producciones que vinieron después, y a día de hoy sigue siendo la mejor adaptación de este romance, por todos conocido (o no... porque no es una historia que se cuente mucho... o sea, yo hice la comunión y creo que nunca me hablaron de Sansón y Dalila... y es comprensible, porque claro, lo primordial es contar la vida de Cristo y él era muy pacífico, así que hablarle a los chavales de un pavo que tenía una fuerza sobrehumana que le había dado Dios para matar a golpes a sus enemigos queda contradictorio, ¿no?... pero bueno, esto de Sansón en teoría pasó 1000 años antes de Cristo, en esa época Dios era más joven, todos hacemos el tonto de jóvenes).


Publicado en Zinéfilaz el 9 de octubre de 2015

"SOLO ANTE EL PELIGRO". Thriller del oeste


-¿Por qué te ofuscas de ese modo, Will?. ¿Has olvidado quién es?, ¿has olvidado lo que ha hecho en el pueblo?, ¿has olvidado que está loco?. No recuerdas que sentado en ese sillón dijo "¡Jamás me colgarán!, yo volveré y mataré a Will Kane. ¡Lo juro!, ¡le mataré!".

"Solo ante el peligro" Fred Zinnemann


Tras años de leal servicio como sheriff de un pequeño pueblo Will Kane tiene todo listo para retirarse con su joven esposa y llevar una vida tranquila juntos. Sin embargo su último día como agente de la ley será más duro de lo que imaginaba pues, nada más casarse, le informarán de que un peligroso pistolero al que encerró ha sido puesto en libertad y se dirige al pueblo junto a sus secuaces para vengarse de él.

Todos tratan de convencer a Will para que huya, pero movido por un inquebrantable sentido del honor el sheriff insiste en quedarse para hacer frente a los malos, contando eso sí, con el apoyo de sus vecinos. Apoyo que se va desvaneciendo a medida que se acerca la hora del enfrentamiento, que finalmente tendrá que llevar a cabo él solo.

"Solo ante el peligro" es uno de los clásicos más famosos de la historia y una obra de calidad incuestionable, pero yo no me aventuraría a considerarla uno de los mejores westerns de la historia, tal y como consta en varias listas. 

No cabe duda de que el guión es estupendo, la música mola, tiene un ritmo impresionante (la acción transcurre en tiempo real) y todo el reparto está de diez (y lo dice alguien que no es fan de Gary Cooper precisamente), pero no es un western. Al menos no para mí.

Gracias a mi padre, gran aficionado al género, he visto muchas pelis del oeste y (aunque hay excepciones) la gran mayoría de ellas consiste en ver a un pistolero o un reducido grupo de pistoleros enfrentándose a un número siempre superior de malos en una misión objetivamente suicida. Este esquema se repite en pelis tan conocidas como "Los siete magníficos", "Los profesionales", "Grupo salvaje", "La muerte tenía un precio", y tantos otros filmes que sí considero westerns puros y duros.

Ahora seguramente estaréis confusos, preguntándoos "¿Acaso no es este el argumento de "Solo ante el peligro"?... hasta el título lo dice". Y sí, tenéis razón, pero es lo único que tiene de western. Eso y los caballos, claro. Por lo demás la peli carece de cualquier otro elemento del género (tiroteos, peleas, persecuciones...) hasta el inevitable (y algo decepcionante) enfrentamiento final. En realidad "Solo ante el peligro" consiste en las tristes idas y venidas de Gary Cooper por el pueblo, mendigando ayuda a los vecinos mientras estos le dan la espalda de la manera más miserable.

De hecho dicen que Howard Hawks encontró tan patético el hecho de que un sheriff tuviera que pedirle ayuda a la gente del pueblo que rodó "Río Bravo" como contrapunto de "Solo ante el peligro", mostrando cómo un sheriff puede enfrentarse solo a una banda de indeseables, sin pedir ayuda a nadie.
Si profundizamos un poco (sólo un poco, porque es un tema escabroso lleno de aristas) descubrimos que "Solo ante el peligro" es en realidad una metáfora de lo que vivió el guionista de la peli, Carl Foreman, cuando se negó a testificar durante la caza de brujas y pasó a formar parte de las listas negras de la industria, dándole todo el mundo la espalda. Curiosamente Gary Cooper apoyó la cruzada anticomunista en Hollywood, igual que John Wayne, que consideraba "Solo ante el peligro" un filme antiamericano.

¿Cómo es que después de todo esto sigo considerando "Solo ante el peligro" un peliculón?. Pues quizá como western no valga mucho, pero como intriga, como drama, es una obra maestra. Ver como uno a uno todos los amigos del prota le abandonan, escudándose en los argumentos más ruines y cobardes es en realidad una muestra de la condición humana. Eso por no hablar de la tensión constante al sentir cómo se acerca la hora del enfrentamiento y sigue sin encontrar ayuda.

Cada vez que la veo pienso que si Alfred Hitchcock hubiera hecho una peli del oeste sin duda se habría parecido a "Solo ante el peligro", idea que se refuerza gracias a la presencia de Grace Kelly, que hizo aquí su debut con 21 años. Y si os chirría verla enamorada de Gary Cooper en el filme os informo, no sólo de que ambos mantuvieron un idilio real durante el rodaje, sino que además Kelly tuvo tiempo después otro romance con Clark Gable mientras filmaban "Mogambo".

También fue aquí el debut de Lee Van Cleef, que en principio iba a ser el ayudante del sheriff hasta que algún capullo dijo que tenía la nariz demasiado grande, relegándole a ser el único de los secuaces del malo que no dice una palabra en toda la peli.

Así, "Solo ante el peligro" no sólo sirvió para relanzar la carrera de Gary Cooper, que estaba de capa caída desde hacía un tiempo (no en vano le ofrecieron el papel a Gregory Peck, Kirk Douglas, Marlon Brando, Charlton Heston y Montgomery Clift), sino que además dejó para la posteridad un western de otro tipo y aunque su carga política se haya ido diluyendo con los años sigue siendo un fiel reflejo de la naturaleza humana ante las situaciones de adversidad y los problemas ajenos.

Publicado en Zinéfilaz el 19 de junio de 2015

"LA BRUJA NOVATA". Pseudopoppins


"El que no cree en la magia nunca la encontrará."

Roald Dahl 

Inglaterra, 1940. Por orden legal una excéntrica solterona se verá obligada a acoger a tres niños que han sido desalojados de Londres huyendo de los bombardeos alemanes. Las estrictas normas y el carácter autoritario de la mujer amargará la existencia de los niños hasta que estos descubren que su anfitriona es una aprendiz de bruja que recibe lecciones de magia por correo. 

Su intención es dominar un hechizo con el cual vencer a los nazis, pero justo cuando debe llegar el ansiado conjuro le comunican por carta que la academia ha cerrado. Así, la bruja y los niños irán en busca del director de la escuela (que resulta ser un ilusionista de poca monta) y juntos se embarcarán en un viaje para encontrar el amuleto que contiene las palabras mágicas, ahora en manos del rey de una isla habitada por animales.

Si hay una película que le venga a una a la mente tras ver "La bruja novata" es sin duda "Mary Poppins", y no es por casualidad. En realidad Disney se hizo con los derechos de los libros en los que se inspiró "La bruja novata" antes incluso de rodar "Mary Poppins", como una especie de seguro, por si la historia de la niñera mágica fracasaba en taquilla. La cuestión es que "Mary Poppins" resultó un éxito tan grande que no dudaron en llevar al cine la peli que hoy os traigo y para repetir el éxito contaron con el mismo director y los mismos compositores que trabajaron en la peli de Julie Andrews, a quien también quisieron fichar como protagonista. Finalmente el papel fue para Angela Lansbury (quien al parecer no disfrutó mucho el rodaje debido a la abundancia de efectos especiales) aunque si veríamos a David Tomlinson tras las negativas de Peter Ustinov y Ron Moody (que se negó a participar en la peli cuando le dijeron que su nombre no iría el primero en los créditos).

Por desgracia la respuesta del público no fue la esperada y así, la película pensada para enmendar un fracaso fue la que finalmente se la pegó en taquilla, recuperando a duras penas el dinero que costó. Y hasta cierto punto es comprensible. "La bruja novata" es una peli muy simpática, pero tiene constantes bajones de ritmo y el clímax final no es todo lo espectacular que debiera.

Se salvan, eso sí, las escenas que mezclan animación en la isla de Naboombu, pero incluso estas parecen descartes de "Mary Poppins" (de hecho la escena de abajo estaba pensada para Julie Andrews y Dick Van Dyke).
Así, lo más memorable quizá sea el partido de fútbol entre los animales (y menos mal que se decidieron a incluirlo, porque la idea inicial era sustituir el partido por una canción en la que Angela Lansbury distraía al rey para robarle el amuleto).

En definitiva, podemos considerar a "La bruja novata" como a la hermana sosa de "Mary Poppins", amena, pero sin el encanto necesario para resultar memorable. Como decía Joaquín Sabina, quizá lo único que le falte sea un buen estribillo.

Publicado en Zinéfilaz el 8 de mayo de 2015

"GILDA". El show de Rita Hayworth


Cantaba regular, pero movía
el culo con un swing que derretía 
el hielo de las copas

"El caso de la rubia platino" Joaquín Sabina


Johnny es un buscavidas tramposo que acaba en Argentina trabajando para el frío dueño de un casino ilegal. Pronto se hará amigo de su jefe, convirtiéndose en su hombre de confianza, pero todo cambiará cuando el millonario regresa de un corto viaje casado con Gilda, una preciosa joven de la que se ha enamorado a primera vista. El problema es que Johnny y Gilda mantuvieron un tempestuoso romance tiempo atrás por lo que el objetivo de la joven parece ser complicarle la vida a Johnny, que hará lo posible por ocultarle a su jefe los devaneos amorosos de su esposa.

Para mí ha habido tres grandes femme fatales a lo largo de la historia del cine. Una es Ava Gardner en "Forajidos" y la otra es Rita Hayworth en "Gilda" (la tercera es Jessica Rabbit, pero la dejaremos al margen). Y es que la película es cine negro de calidad, todo el reparto está estupendo (creo que es la única peli en la que tolero a Glenn Ford), la relación entre el protagonista y el mafioso de su jefe capta la atención antes de la aparición de la actriz y el triángulo que forman los tres es fenomenal también, pero "Gilda" es Rita Hayworth, la película entera. De hecho Frank Sinatra dijo en su día que Rita Hayworth era Columbia y tenía sus motivos.

Ya antes del filme del que hablamos hoy Rita Hayworth era una estrella, había trabajado con Cary Grant, Tyrone Power, Gene Kelly y Fred Astaire (se le daba bien el baile, empezó con su padre, un bailarín sevillano), pero "Gilda" la consagró en Hollywood convirtiéndola en uno de los mayores sex symbols de la historia y la actriz mejor pagada del momento. Su Gilda carecía de la maldad y codicia que ocultaba el personaje de Ava Gardner, pero sí poseía esa picardía y descaro que toda femme fatale debe tener. Eso, y una belleza rotunda y sexual. Para algunos sitios, demasiado sexual.

En España "Gilda" se estrenó en 1947, y si bien sorteó a la censura, la iglesia y el sector más puritano de la sociedad hicieron una férrea campaña contra la película. En misa los curas decían que quien viese "Gilda" iría directamente al infierno, en los periódicos se escribían artículos advirtiendo del peligro que suponía el filme para la moral del país y algunos indignados tiraban cubos de pintura contra las pantallas de los cines donde se proyectaba, arrancando los carteles de las calles mientras entonaban el Cara al Sol.

Todo fue en vano. La gente iba a los cines de otras localidades para que sus vecinos no les vieran asistir a la proyección, pero "Gilda" fue un éxito total. Muchos salían decepcionados con la escena del guante, pues había rumores de que en la versión íntegra que se proyectaba en Francia Rita Hayworth se desnudaba por completo (algunos sacaron partido de este falso rumor vendiendo fotos trucadas en las que habían pegado la cara de la actriz a un cuerpo desnudo), pero por lo general la gente quedó encantada y el filme se convirtió en todo un acontecimiento (en Barcelona apodaron a un autobús "Gilda" por lo mucho que se movía a consecuencia de los baches y curvas del trayecto).

Dos años después el mismo director juntó de nuevo a la pareja protagonista en "Carmen y sus amores" (donde Rita Hayworth dio vida a la única gitana pelirroja de la historia), pero no logró ni de lejos el éxito de "Gilda". Sirvió, eso sí, para desmentir los rumores que afirmaban que Rita Hayworth y Glenn Ford se llevaban mal tras el rodaje de "Gilda". Muchos aseguraban que el famoso bofetón que le dio el actor a Hayworth fue improvisado y en venganza por los que ella le había dado en otra toma, que sí estaban en el guión, pero que le costaron a Ford dos dientes. Lo cierto es que la pareja se llevaba estupendamente y cuando Rita Hayworth murió Ford cayó en una depresión de la que nunca llegó a sobreponerse.

En conclusión, "Gilda" no sólo es un clásico y una película de culto, sino un ejemplo de cómo un personaje y una actriz pueden remover la sociedad con el simple hecho de quitarse un guante.

En realidad no es Rita Hayworth a quien oímos, la pobre estuvo dando clases de canto, preparándose a conciencia para la película, pero al final decidieron sustituir su voz por la de Ana Ellis, una cantante profesional (cosa que al parecer amargó a Hayworth el resto de su vida) y durante el rodaje de la escena llevaba un corsé ajustadísimo porque había dado a luz poco antes y no entraba en el vestido, pero da lo mismo. 
La que canta no es Rita Hayworth, ni Ana Ellis, sino Gilda, seguramente la femme fatale más famosa de la historia del cine.

Publicado en Zinéfilaz el 27 de marzo de 2015

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